A arte e suas representações sobre a finitude da vida

Alegoria do tempo desvendando a verdade – Jean François De Troy (1733)

“Vocês não são especiais. Você não é um floco de neve bonito ou original. Você é a mesma matéria orgânica decadente como todo o resto. ”  (Clube da Luta)

“É uma coisa curiosa a morte (…). Todos nós sabemos que o nosso tempo neste mundo é limitado e que eventualmente todos nós acabaremos embaixo de algum lençol para nunca mais despertar. E, no entanto, é sempre uma surpresa quando isso acontece com alguém que conhecemos.” ( Raiz-Forte – Lemony Snicket)

“Porque é uma sinfonia agridoce, esta vida/Tente fazer finais encaixarem/ Você é um escravo do dinheiro, então você morre…” (Bittersweet Symphony – The Verve)

Começo esse post com uma pintura de De Troy, porque acredito que a maturidade nos revela muitas coisas, entre elas o verdadeiro valor da vida e sua finitude. O tempo acaba despertando a verdade em nós. A arte nos revela diferentes leituras sobre a morte, de acordo com o período em que é produzida. Vanitas são uma espécie de natureza morta (still life) que proliferou na Europa nórdica e Países Baixos durante os séculos XVI e XVII. Embora Vanitas e o tema morte sejam comuns a qualquer cultura.  No período medieval era comum essa arte estar ligada a práticas funerárias e o termo “Memento Mori” (Pensa na morte), que seria algo como “lembra-te homem de que morrerás um dia”, o que na Idade Média celebrava um ser humano ligado mais ao espírito que à matéria.  No Renascimento passou a ser uma maneira de fazer o homem se lembrar de que a vida é muito curta para viver somente para agradar os outros  e cultivar futilidades.

Pieter Claesz – Vanitas quiet life

Há elementos que são constantes nesse tema, como coisas apodrecidas (que lembram o envelhecimento), os relógios e ampulhetas (o tempo e a fugaz existência terrena). Também são comuns os instrumentos musicais, flores, borboletas e caveiras. O interessante desse tipo de arte, é a união de elementos que lembram a vida e outros a morte, como a dualidade de nossa existência. Mas qual o antecedfente desse tipo de arte?  Podemos apontar o auge do flerte do homem (e artista) com a morte, na Idade Média.

Hans Holbein, o Moço – Gravuras de “A dança macabra” (1497-1543)

Detalhe de caveira ao lado da assinatura de Albrecht Dürer, 1513 – O Cavaleiro, a morte e o Diabo

A própria figura do Plague Doctor, doutor de pragas na Idade Média é usada ainda hoje como representação ligada à morte. O doutor de pragas na Europa possuía um conhecimento empírico ligado aos humores: sanguíneo, colérico, melancólico e fleumático. O correto é que nenhum desses humores proliferasse sobre o outro, então eram feitos tratamentos para equilíbrio dos humores no paciente, entre eles sangrias.  A teoria miasmática considerava que doenças como peste negra e a cólera eram causadas por uma forma nociva de ar (mau ar), miasma significa poluição. Os diversos tratados de saúde eram elaborados na tentativa de afastar a peste, muitas vezes de uma maneira supersticiosa, por exemplo, as pessoas deveriam andar contra o vento oeste que era propício ao avanço da peste. Os plague doctors vestiam uma máscara de bico de pássaro que ajudava a praga a sair do corpo do doente. Acreditava-se que a praga (em sua maioria a peste bubônica, mas haviam outros tipos de epidemia)  era transmitida por pássaros e a função da máscara era justamente atrair a praga para curar o convalescente. Para a proteção do Plague Doctor, os olhos da máscara eram feitos em um material vermelho que acreditavam ser impermeável às doenças. Dentro da máscara havia diversos itens aromáticos, para proteção do ar pútrido que era visto como causa da infecção. Era também usado pelo doutor uma ponteira de madeira que era usada para examinar o paciente sem tocá-lo.

Desenho de Plague Doctor

Um plague doctor consola uma mulher que acaba de sofrer uma perda na obra do artista contemporâneo Bryn Barnard – The Plague Doctor

 

Plague Doctors no filme protagonizado por Nicolas Cage, Caça às Bruxas

Nessa época em que a peste se alastrou na Europa as representações de esqueletos “levando” pessoas embora era muito comum. Podemos apontar também as representações dramáticas da morte ou alusões à própria através de pinturas do Barroco e Rococó, como as representações de Nicolas Poussin. No século XVII o nome Arcádia evocava a tradição pastoral, o gênero poético que se desenvolveria desde a Grécia clássica. A idéia principal de Arcádia seria a vida dos pastores ao ar livre,  recolhendo ovelhas durante o verão. Nesse clima os pastores tinham tempo de sobra para tocar flauta, compor poemas e talvez até declamá-los em sarau. Arcádia era o paraíso montanhoso da região do Peloponeso, habitada pelos árcades: pastores e caçadores. Era o paraíso romântico governado por Pã e habitado por ninfas, sátiros, centauros e bacantes.

A frase “Et in Arcadia Ego” não é encontrada em nenhuma fonte clássica conhecida, podendo significar em seu contexto original: “Eu, aquele que está morto, também vivi na Arcádia” ou “Eu, a morte, também estou na Arcádia”. Eis que no quadro de Poussin, Et in Arcadia Ego, quatro jovens pastores encontram uma tumba onde há essa frase escrita. Poussin nos faz perceber o quanto o ser humano é vulnerável em sua individualidade. “Na verdade os pastores nos dão a impressão de terem encontrado o primeiro indício da morte. É também o indício de que sua bela terra tem história, de que pessoas viveram e morreram ali, no entanto essa história foi totalmente esquecida” (BECKETT). Ainda sobre Beckett, o teórico nos fala que o que dá força a essa pintura são nossas próprias histórias pessoais. Transpomos o marco da maturidade quando adquirimos uma compreensão emocional da morte e de nossa própria insignificância relativa ao contexto da história humana. Gerações incontáveis viveram e viverão antes e depois de nós. Em todo o esplendor de sua bela juventude, os pastores precisam aceitar isso.

 

Nicolas Poussin, Et in Arcadia ego, 1638-1640: A amarga descoberta da morte ainda na juventude. Ela (a morte) também habita no paraíso terreno. 

Leia História da Pintura de Wendy Beckett!